AFICHES EQUÍVOCOS DE GUILLERMO CERCEAU & LUIS MAVILLA

AFICHES EQUÍVOCOS DE GUILLERMO CERCEAU & LUIS MAVILLA

José Carlos De Nóbrega

Los afiches se dirigen, por lo general, a satisfacer necesidades propagandísticas: las vinculadas a la divulgación de ideologías o a la comercialización de productos y cachivaches de toda especie (desde fármacos que combaten la disfunción eréctil hasta sucedáneos filosóficos tales como Pare de Sufrir o El Mapa del Tesoro). Confieso, a tal respecto, haber estado a punto de comunicarme telefónicamente con la bombera en hilo dental: me dispongo a pagar el precio de apagar su fuego, por supuesto, manguera –perdón, celular- en mano. De algo sí estoy seguro: no hay ninguna diferencia entre embriagarse musitando incansablemente tres o cuatro consignas políticas y recibir la gracia del agua bendita de o rio Jordan: hacen más llevadera la vida, pues el círculo de poder correspondiente piensa y modifica el mundo por nosotros. En esta exhibición de afiches, Guillermo Cerceau y Luis Mavilla persisten en convocar las Letras & Formas en un descarado e impune acto de provocación. Solamente para que no nos demos cuenta de que la alienación urbana nos impide reírnos de la precariedad del mundo. Las manchas multicolores vomitan papel periódico idiota que obstruye la sensibilidad poética y carnal del plexo solar: Todo es blanco excepto la muerte, las huellas tan sólo conducen a sepulcros blanqueados que resguardan la carroña y la putrefacción de la humanidad guiada en una cadena bovina y enceguecida. Los aforismos, soportados por las imágenes caóticas, retan en su simplicidad formal –en una imaginería que apunta a lo originario y lo elemental- el abstruso y manierista discurso de la estupidez de las academias, los mass media y los púlpitos político-consolatorios. El Último Llamado se vale del humorismo negro y descarnado de ojos solitarios -¿se trata de un guiño cómplice o de un Polifemo atribulado?- que horadan puertas y quesos manchegos, en la lectura de un antidecálogo que triza las solemnidades bobas del formalismo religioso, filosófico, ético y estético. El conjunto de afiches se presta a las más variadas y descocadas lecturas: se puede asumir como diez aforismos ilustrados, o una décima en verso libre sin importar que su abordaje sea hecho y derecho o torcido; mejor aún, se nos antoja una parodia de esas presentaciones en Power Point que atiborran nuestro buzón electrónico: se trata entonces de leer en esa risa que no es de locos para luego remitir siete copias a otros amigos, de manera que obtengamos la gracia y la venia de la Fortuna: reconocernos en nuestra ridícula majestad ante el monitor.

Valencia de San Simeón el Estilita, 27 de junio de 2007.

SAN SIMEÓN EL ESTILITA. Guillermo Cerceau.

04.06.06
San Simeón el Estilita
Publicado en avatars en 10:54 pm por gcerceau

Los extremos a que nos puede conducir la fe son tan asombrosos como aquellos del odio o del amor. Tal vez, al fin y al cabo, toda pasión tenga sus rincones oscuros. Simón el Estilita fue un santo del siglo V que vivió en el tope de una columna de diecisiete metros de altura, para cumplir con lo que según él mandaba el evangelio, sin ser molestado por los curiosos (antes había probado un lugar retirado y más tarde una cueva). Se cuentan historias que nos asombran, no tanto porque se trate hazañas irrepetibles, sino porque el sentido de las mismas nos elude, a nosotros, una especie curtida por el psicoanálisis y el marxismo. Dicen que aprendió de memoria los Salmos, para poder leerlos en su mente sin necesidad de tener el libro a mano, un objeto menos que cuidar en su exigua morada. También dicen que el emperador Marciano, disfrazado, se le acercó para escuchar su sabiduría predicada desde lo alto (aunque no sabemos si fue su consejero, o si el emperador aprendió acerca del poder). Casi cuarenta años, hasta sus últimos días, lo pasó en esta columna (de allí el nombre de “estilita”, o “el de la columna”). Rigores de la fe o extravagancias que nunca podremos descifrar, mantienen siempre abierta la pregunta de lo que realmente somos.

Estas palabras, que tal vez digan menos de lo que Simeón merecería, me fueron sugeridas por Richard, custodio de los bienes seculares de Li Po.

1 comentario »
Yilly Arana dijo,
Abril 8, 2006 en 12:21 am
Y yo que, hasta ahora, viví creyendo que la estatua de la Plaza Bolívar en el centro de Valencia, era de Simón Bolívar. ¡¡ Ahora sé que es de Simón el Estilita !!

Comentario 2: Definitivamente Valencia es una ciudad surrealista: no olvidemos el Simón del Desierto de Luis Buñuel. José Carlos De Nóbrega, Valencia de Simeón El Estilita, 17 de junio de 2007.

INVITACIÓN A UNA CHARLA SOBRE SUSAN SONTAG Y LA APRECIACIÓN CRÍTICA DE LA FOTOGRAFÍA

Estimados amigos:

A nombre del Grupo de Incursiones Culturales y Científicas Li Po, les invito el sábado 23 de junio de 2007 a la charla coordinada por Guillermo Cerceau que abordará una de las aproximaciones ensayísticas más brillantes en torno al arte de la fotografía: Regarding the pain of others (Acerca del dolor de los demás) de Susan Sontag. La actividad significa el cierre del Ciclo de Charlas sobre la Fotografía titulado "Una Parada del Dolor". La cita, como de costumbre, es a las 10:30 am en la sede de Librerías del Sur (Kuai Mare), primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Nota: La charla en cuestión fue pospuesta para el sábado 30 de junio, a las 10:30 am en el mismo espacio cultural, puesto que nuestro pana Guillermo se encontraba enfermo. En su lugar leí cinco cuentos míos del libro "El Dragón Lusitano y otros relatos": el primero fue el cuento que da título a la colección, luego Decálogo de la Perfecta Valencianidad, The Marin's Women Fans Club, La Segunda Muerte de Cristóbal Ruiz y Postales para Mamá (Un Tríptico Aproximativo). Todos esos relatos pueden ser leídos en este blog, a tal respecto revisar el año 2006. Agradezco a nuestro selecto y consecuente público la atención prestada.

Sin más, su amigo José Carlos De Nóbrega.

Valencia de San Desiderio, 24 de junio de 2007.

PROGRAMA "LA CULTURA EN CURSO", JUNIO-JULIO 2007

PROGRAMA "LA CULTURA EN CURSO", JUNIO-JULIO 2007

20 de junio de 2007: El libro y el socialismo a cargo de Melquíades Labrador y José Carlos De Nóbrega. Lugar: Cinemateca Nacional, Guacara. Hora: 9 am. Radamés Muñoz (Librerías del Sur, Valencia) sustituyó a Melquíades Labrador.

25 de junio de 2007: El libro y el socialismo a cargo de Julio Borromé y Radamés Muñoz(Librerías del Sur) y José Carlos De Nóbrega (Red de Escritores). Lugar: Casa de la Cultura, Bejuma. Hora: 2 pm.

7 de julio de 2007: El libro y el socialismo a cargo de los escritores Arnaldo Jiménez y José Carlos De Nóbrega (Red de Escritores). Lugar: Sala Ana Pavlova del Teatro Municipal de Puerto Cabello. Hora: 8:30 am.

13 de julio de 2007: El libro y el socialismo a cargo de María Guevara (Editorial El Perro y la Rana) y José Carlos De Nóbrega (Red de Escritores). Lugar: Aldea Universitaria de Los Guayos. Hora: 2:00 pm.

INVITACIÓN A UNA CHARLA SOBRE ROBERT CAPA

El Grupo de Incursiones Culturales y Científicas Li Po les invita a la charla que el cineasta Andrés Cerceau brindará acerca de la obra fotográfica de Robert Capa. Ello en el marco del Ciclo "Una Parada del Dolor" que aborda el discurso fotográfico. La cita, como de costumbre, es el sábado 16 de junio a las 10:30 am en la sede de Librerías del Sur (Kuai Mare), ubicada en el primer nivel del Centro Comercial Camoruco, Avenida Bolívar Norte.

Aprovechamos la oportunidad para recordarles que el sábado 23 de junio de 2007 se ofrecerá una charla sobre la aproximación crítica de Susan Sontag al arte fotográfico. Dicha conversación estará coordinada por el escritor Guillermo Cerceau.

POEMAS DE SERGIO QUITRAL

Poemas de Sergio Quitral

GIMNASIO

En la vidriera iluminada del gimnasio
gente que corre
gente que pedalea en sus máquinas
afuera
la noche sabe que sus vidas
no irán a ninguna parte
corren
pero la noche es más rápida
¿cómo podrán escapar de un cuarto negro
y del encierro de sus vidas
y del viejo televisor
cuando ya sean viejos?
La noche es más rápida
corren
pero la noche afuera sabe
que la muerte
viaja sentada en nosotros


LOS AMANTES Y EL ARBOL
DE LA ABUNDANCIA

Los amantes se desvisten
igual que los mercados que abren
sus tiendas de noche
y salen los jardines del cemento
los melones y corazas se muestran abiertos
y como el amor las legumbres
que habían estado dormidas despiertan
y lo que está oculto emerge de las tinieblas
y el pescado escondido en el mar
cae sobre las mesas
y todo lo robado
al mar y a la tierra
comienza a existir a gritos
del árbol derribado de la naturaleza
solo el corazón del hombre queda oculto
y su amor enterrado
quizá nunca halla madurado demasiado
y permanezca palpitando
inflado y vacío
y sea como la fruta que se pierde
y comen los pájaros
al cerrar los camiones de la carne
bajo el árbol invisible de la abundancia

EN LA GUAIRA

En la Guaira todos llevan calladas sus tragedias
y aunque el mercado grita
las calles quieren unión
y estrechan a los dolientes
y aunque las piedras no recuerdan haber rodado
las estatuas miran el mar suspendidas y pálidas
Aquí la tierra quiere perder la memoria
y la virgen extiende los brazos
con el bebé perdido
y la gente al caminar siente un muñón o
una pierna que les falta
y todos sienten algo que olvidaron
o dejaron en casa
todos llevan grietas y si el viento grita
nadie responde
y el suelo se sostiene imperturbable y solemne
cubriendo a los muertos
y aunque el mar no recuerda
aquellos que recuerdan
no quieren recordar

Sergio Quitral nació en 1964, en Chile, residenciado en Venezuela desde 1980. Profesor egresado de la Universidad de Carabobo en Ciencias Sociales. Ensayista en temas de arte y poesía, colaborador de "Tuna de Oro" y revista "Poesía" en la UC. Profesor de Arte del Centro Piloto Luis Eduardo Chávez del Ateneo de Valencia. Libros publicados: "La promesa que nos hace la Noche", 1er. Premio Bienal "Roque Muñoz", editado por Secretaria de Cultura Gobierno de Carabobo, en la colección María Clemencia Camarán (2002). "La balsa de Medusa" Colección Primer Libro Poesía de la Universidad de Carabobo (2002). "Aquel Viento sin Nombre", edición personal Hermana Poesía (2004). "Sobre tigres, hombres y sueños" Premio Conac, Poesía Concurso Nacional de las Artes, edición "Cada día un libro" (2006).

CARTA ABIERTA A LOS ORGANIZADORES DE LA I FERIA INTERNACIONAL "ARTE NUESTRO DE CADA DÍA"

CARTA ABIERTA A LOS ORGANIZADORES DE LA I FERIA INTERNACIONAL "ARTE NUESTRO DE CADA DÍA". José Carlos De Nóbrega.

A quien pueda interesar o de cómo no bastan las buenas intenciones.

Estimados amigos: Valga la oportunidad para extenderles un cordial saludo. La presente comunicación es movida por mi preocupación en torno al éxito de la gestión cultural de esta administración, guiada por un espíritu de inclusión, participación y vindicación de las masas como espectadoras del hecho artístico (en la ausencia de la intermediación burocrática y académica que funjan de factores esterilizantes). Visité la Primera Feria Internacional del Arte (realizada en el Parque Recreacional Sur de Valencia entre el 25 y 29 de mayo de 2007) el día sábado 26 a las dos y treinta de la tarde, constatando una serie de detalles que afectan un montaje propicio y adecuado de las obras allí exhibidas:

1.- No hubo una identificación completa ni pertinente de las obras expuestas, tan sólo en algo más del cincuenta por ciento de los casos se indicó el nombre del artista, sin que se especificaran datos importantes y puntuales como el título del trabajo, el año de producción, la técnica de ejecución y las dimensiones. Se me informó que en uno de los casos la identificación del artista fue errónea, lo cual sume a la muestra en la inexactitud y la ausencia de rigor curatorial.

2.- Se ha echado de menos la edición de un Catálogo pertinente de la exposición en tanto herramienta que facilite al espectador y al crítico de arte su pleno disfrute. Qué decir de su utilidad en cuanto reseña histórica de la colección.

3.- No comprendemos qué enfatiza o qué destaca la exposición a nivel curatorial. Si bien hay obras muy dignas del aprecio del ojo crítico -el magnífico toro de Roger Sanguino o una exquisita virgen de Rosa Baroni-, no encontramos un conjunto representativo de la evolución del arte actual en Venezuela. Nos parece que a nivel genérico hace falta la instalación, el ready made (por ejemplo citamos a Hernández Diez, Muu Blanco o Javier Téllez) y -en especial- la fotografía (en el stand de Librerías del Sur, en cambio, observamos un libro magnífico que recoge la obra fotográfica de Alexis Pérez Luna).

4.- Hay que corregir las evidentes fallas en la disposición e iluminación de las obras. Incluso se detectaron fugas de agua que afectan la observación de los trabajos por parte del público lego y el crítico especializado.

5.- Consideramos que para tener el calificativo de internacional, la muestra debería contar con la presencia de artistas latinoamericanos invitados. Si bien la presencia extranjera es patente a nivel de charlas, conferencias y conversatorios (Icleina Cattani de Brasil, Jorge Sepúlveda de Chile o Martha Lombardelli de Argentina), los artistas latinoamericanos invitados justificarían y ampliarían la trascendencia del evento. Mención aparte merece la escasísima participación de los artistas del estado Carabobo, la cual es injustificable.

Advertimos que la intención de la presente es constructiva y atiende a un espíritu asertivo y de colaboración. Sin más por el momento, queda de usted su amigo José Carlos De Nóbrega.

P.S. Miguel Ángel Baloa contestó la comunicación anterior el 6 de junio de 2007, aduciendo que la coordinación regional del IAIME (Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio) no fue tomada en cuenta para el montaje de la fallida Feria del Arte Nuestro de Cada Día. Se impuso nuevamente el centro sobre la periferia: el funcionariato de Caracas, según su testimonio, es el responsable de la curaduría, la agenda de actividades y la logística del evento. Agradecemos a Miguel Ángel su atenta respuesta.

Por su parte, Gerardo Zavarce, invitado al evento como conferencista (el día lunes 28 de mayo disertó sobre Diálogos entre saberes y experiencias. David Palacios), publicó el 4 de junio un artículo crítico sobre la referida Feria en el cuerpo Escenas, p. 12, del diario "El Nacional". Entre sus argumentos destacan que además de la escasa afluencia de público, no hubo una convocatoria ni un llamado a la participación activa de las comunidades como espectadoras y hacedoras de arte. Se infiere entonces que instancias como las Misiones Sucre y Cultura no coadyuvaron en el encendido y funcionamiento del Tercer Motor, ingenio atinente a la educación y la cultura como factores de formación integral de nuestro pueblo. Funcionó más el marketing de los recuerdos de la Feria antes que la exhibición de lo más representativo y novedoso del arte latinoamericano. Leamos finalmente el cierre preocupado y preocupante que Zavarce da a su ensayo: "Una acción cultural 'desde' y 'con' la sociedad implica sustituir la noción egótica de 'democratización cultural' por una noción de democracia cultural".
He aquí el diálogo abierto a la luz de un auténtico ejercicio crítico, más allá del silencio complaciente y la estéril agenda informativa ocupada en confundir la libertad de expresión con intereses mezquinos y muy particulares. El comodín es un llamado a la participación de nuestra gente en el devenir del conocimiento científico y estético del país real, no en el tira y encoge mediático que reivindica la mayoría de las veces un discurso bipolar y cretino.

En Valencia de San Desiderio, mayo-junio de 2007.

5 AFORISMOS SOBRE DIANE ARBUS

5 Aforismos sobre Diane Arbus.
José Carlos De Nóbrega.

¿Proclama la provincia que eres bella
y contigo comparan a mi Lesbia?
¡Oh siglo necio y falto de elegancia!
Gayo Valerio Catulo, 20 poemas de amor.


1.- Todo para ellos sucede como en un cuento de hadas. Los monstruos nacieron con su trauma. Ellos ya han pasado su prueba en la vida. Ellos son aristócratas. Diane Arbus. La obra fotográfica de Diane Arbus es una apología a la tara física, psíquica y social como síntoma inequívoco de la belleza, al margen de los convencionalismos sociales y estéticos que fundan las megalópolis como Nueva York; precisamente, su morboso encanto nos aguarda en los callejones, los prostíbulos y los círculos circenses y marginales. No es de extrañar que una película como Freaks de Todd Browning –condenada y sepultada durante años en los anaqueles de la censura moralista de Hollywood- excitara su mirada perturbadora, erótica y lasciva. El discurso fotográfico de Diane Arbus es frontal, descarnado y prevaricador; su extremismo plástico nos retrotrae la poesía de Charles Baudelaire, la desgarradora narrativa libidinosa del Marqués de Sade e incluso la crueldad del trazo en Goya como retratista implacable de su tiempo. En la foto A young brooklyn family going for sunday outing, el rostro desquiciado del hijo mayor rompe la solemnidad y severidad del grupo familiar; el género del retrato en familia es satirizado magistralmente por un ojo que procura anarquizar la abulia del domingo en Coney Island. La escena de Jewish Giant at Home... registra a un gigante doblando la cerviz ante una madre castradora y un padre indiferente, como si fuese una relectura de La Metamorfosis de Kafka: el Lar comprime y deprime en blanco y negro, sin misericordia. Va de la mano con el entorno familiar de la artista, disfuncional, caótico y sometido a la tensión habida entre la moralidad burguesa y judaica -plena de acoso punitivo y terrorista- y el exhibicionismo y la disposición primaria a la orgía y el libertinaje. No en balde Diane mostraba a sus íntimos su colección iconográfica de testículos, como si los ovoides fetiches constituyeran bocetos que prefiguran una obra mucho mayor. Fotografiar lo monstruoso, lo aparentemente maligno, es el sucedáneo inverso de la búsqueda mística: congraciarse con el otro en su dolor, atizada la mirada en una ternura sin par.

2.- A veces, Diane pensaba que su terror estaba vinculado a algo que yacía en lo más profundo de su subconsciente. Cuando contemplaba el esqueleto humano o la mujer barbuda pensaba en un ser oscuro y antinatural que llevaba oculto dentro de sí misma. Patricia Bosworth. Hay una serie de fotografías que vinculan lo político con lo grotesco, lo oprobioso y lo terrorífico. Son las referidas a las convenciones o cónclaves de los partidos tradicionales en Estados Unidos. Los valores de identidad nacional y pertenencia son reducidos a la ridiculez, el despropósito y el mal gusto. En Man in an indian... el penacho piel roja constituye una máscara que refuerza el insulso e ingenuo optimismo del ciudadano caucásico y protestante, envuelto en un jolgorio alienante que deslegitima el discurso libertario y el disentimiento. Otro partidario es atrapado por la cínica mirada transparente del lente: la reveladora pose es la de un pálido y escuálido zombie con la visión extraviada en ningún lugar, la bandera a la diestra y las chapas de la propaganda en el pecho como si fuesen medallas que premian la medianía y el anonimato en los bleachers del Yankee Stadium o en las butacas del Madison Square Garden. Una tercera fotografía no nos sacude tal apreciación pesimista de la ciudadanía: el rostro cetrino y desencajado dirige sus ojos desorbitados al cielo encapotado, la Nueva Jerusalem quizás, éxtasis que tiene su apoyatura en el distópico bullicio terrenal que es el Fin de Fiesta de las Ideologías. Estas gráficas preñadas de escepticismo pudieran ilustrar el Diccionario del Diablo de Ambrose Bierce, profundizando su espíritu anárquico, rebelde e iconoclasta. Ya se lo había aconsejado Lisette Model en las aulas de The New School: “no disparéis hasta que el sujeto que enfocáis os provoque dolor en la boca del estómago”. Es el imperio de lo visceral y lo poético en oposición sin cuartel al academicismo remilgado y rococó propio de corsarios protestantes, cazadores de brujas y peregrinos amodorrados en pías ensoñaciones. El Portafolios de Diane Arbus encadena imágenes chocantes pero dotadas de una conmovedora belleza, en una letanía dionisíaca que la emparenta con Baudelaire: “Padre adoptivo de aquellos que, en su cólera, / Del paraíso terrestre arrojó Dios un día, / ¡Oh Satán, ten piedad de mi larga miseria!”.

3.- Sus fotos en alguna medida fueron ese espejo donde pudo conocer(se) y descifrar(se) esa monstruosidad que en algunos vive muy bien guardada y en otros escapa a la superficie como una extraña metáfora que cala los huesos. Carlos Yusti. La monstruosidad física o la marginalidad social son pretextos pertinentes para diluir la falsa frontera entre la normalidad y la psicopatología. Sin necesidad del peyote ni de los cadáveres exquisitos garrapateados por los psiquiatras, nos reconciliamos en la fealdad aparente de nuestro espíritu escindido y confundido. El vouyerismo interno no es más que la experimentación en el asombro del cielo y el infierno terrenales; sin la mediación de los mercaderes del templo que nos azuzan con diluvios e incendios veterotestamentarios. Ello acarrea consecuencias en el campo estético: la fotografía deja de ser la analogía chata de la realidad externa para proponer discursos sorprendentes, inéditos y creativos que ennoblecen el sufrimiento de la humanidad a la vera del progreso positivista y pecuniario. Norman Mailer reivindica la transgresión liberadora que ocupó su obra entera: “Darle una cámara a Diane Arbus es como darle una granada de mano a un bebé”. La alusión a El Niño con Granada... es de perogrullo: La figura central nos reta en una pose trastornada y esquizoide, presidiendo un paisaje bucólico de fondo, estallido embargado por la luz, que contrasta con los paseantes y el árbol que cubre las espaldas del infante abyecto que disuade al espectador granada en mano. En El Bosque de los Elegidos de José Napoleón Oropeza, los niños al quemar a Guy Fawkes subliman el desfenestramiento de un orden de cosas opresivo, decadente, caduco. Este rito desmitificador y purificador es un hipertexto derivado del poema de T.S. Eliot que chisporrotea así: “Somos los hombres huecos / somos los hombres rellenos / nos apoyamos juntos / la cabeza atiborrada de paja. ¡Ay! / nuestras voces secas, cuando / susurramos juntos / son silenciosas y tontas / como la brisa sobre la hierba seca / o pisadas de rata sobre trozos de vidrio / en nuestro sótano vacío...”

4.- Si ver es el atisbo de algo que está más allá de nuestros fantasmas y creencias, y mirar es la concreción de estas creencias en la escena, sucede que estamos mirando cuando creemos ver, y algunas privilegiadas veces podemos ver en lo que miramos. Fernando Yurman. La fotografía de Diane Arbus es equiparable a la cacería de ciervos, pues más allá del rifle y la técnica entraña la asunción de un modo de vida auténtico y –por ende- arriesgado. Simplemente nos hacemos eco de las voces críticas y cálidas de Carlos Yusti y Marisol Pradas, aproximaciones sentidas al discurso estético de Diane que hemos publicado en la página blog del Grupo Li Po: http://grupolipo.blogspot.com/. La artista norteamericana se vinculó con los freakies y los personajes que fotografió sin conceder un ápice a la preceptiva positivista ni funcionalista. Para Yusti era una cazadora de la belleza convulsa: “Diane Arbus comenzó a recorrer las peores calles de Nueva York con su cámara a punto de disparo”. Marisol, en otro intento transparente, sentencia que “Arbus persigue y fotografía sin piedad ni dolo a los habitantes más marginales de Nueva York”. Antón Castro nos lo ratifica: “Con una gelidez de entómologa, no exenta de morbo y de elevada concentración, captó excéntricos y marginados, seres anormales o miserables (ancianos exóticos, empleados de circo, príncipes vagabundos, malabaristas místicos a lo Uri Geller, ciegos o proxenetas) a los que encontraba por las calles y seguía de ciudad en ciudad con una devoción que parece casi una enfermedad”. Sólo que las presas no estarían recluidas en la curaduría claustrofóbica de los zoológicos, museos o manicomios; Diane Arbus propone la construcción participativa de la muestra en el paisaje urbano, en la tela de araña de sus calles, avenidas y pasadizos secretos. Valiéndose de la conversación y el contacto carnal con sus retratados, antecedente que excede las modalidades de Historias de Vida e Investigación-Acción, obtuvo la preciosa calidad dialógica de su oficio fotográfico que aún impacta nuestra mirada atrofiada por los excesos del hiperrealismo estético y mediático.

5.- Lo que un fotógrafo hace, al mostrar un objeto o personaje (desde un punto de vista determinado) es producir un cierto número de connotaciones, de significaciones que quedan ahí, para que el espectador las perciba. Raúl Beceyro. No cuenta entonces la taxonomía esterilizante del prójimo actante y doliente; la ciudad es un museo abierto en el contacto activo de los espectadores y los retratados, confundiéndose los roles en la disonancia y el caos. Leemos rostros que se apiadan de nosotros mismos en la precariedad de la mirada mutua e inevitable. No se sabe quién es el pez y quién el ictiólogo: Identical Twins (1967) es técnicamente el hipotexto de las gemelas ensangrentadas del film The Shinning de Stanley Kubrick, las cuales importunan el paseo en triciclo del niño vidente. Sólo que la maestría de ambos supone la ruptura de las categorías en pro del goce estético.